Dirty
studio

Yamaha NS-10 是 1978 年推出的經典被動式近場監聽喇叭，以其白色低音錐和高音突出的「乾、刺」聽感聞名。儘管原設計為家庭書架喇叭，卻因能如實揭露混音缺點（尤其是中頻），成為搖滾與流行樂界標準，雖 2001 年停產，至今仍被眾多專業錄音室使用。 核心特點與優勢： 瞬態反應極快： 低音錐很輕，能精確呈現音樂細節和節奏動態。 專注中頻： 頻率範圍不廣，高低音不突出，迫使工程師專注於人耳最敏感的中頻區域，確保在不同設備（如手機）上都有不錯的效果。 「若在上面聽起來好聽，在其他喇叭也會好聽」： 被認為能暴露錄音缺陷，被形容為「聽起來有點糟」的誠實喇叭。 經典型號： 包括最初的 NS-10M、錄音室常見的橫置版 NS-10M STUDIO，以及磁屏蔽的 NS-10MT。 使用注意事項： 需搭配擴大機： 為被動式設計（Passive），必須外接功放（Amplifier）才能運作。 高音調整： 早期版本高音較刺，許多工程師習慣用面紙遮住高音單體來減少高頻。 二手市場： 因保存良好的二手喇叭數量減少，現有 Avantone Pro CLA-10 等現

音樂製作圈的老牌標竿 Cubase 迎來了第 15 代的重大更新。對於長期埋首於數位音訊工作站（DAW）的製作人而言，每一次的版本跳躍都像是一場關於「效率」與「荷包」的博弈。然而，Cubase 15 的登場似乎預示著一個更深層的轉折點：AI 不再時只是外掛插件的點綴，而是正式進駐了軟體的核心。 這引發了一個值得深思的問題：當 AI 開始接手那些曾經需要數年苦練的技術時，我們是在變得更強大，還是正在失去對「工藝」的掌控？ 數位煉金術：Cubase 15 的技術拼圖 在討論哲學問題前，我們不得不直視 Cubase 15 帶來的「黑科技」。這次更新最令人矚目的莫過於 內建 AI 音軌分離（AI Stem Separation） 。過去，若想將一段混合好的音訊拆解出人聲、鼓組與貝斯，往往需要求助於外部軟體。如今在專案視窗中點擊右鍵，AI 隨即如同外科醫生般精準地解剖音訊。對於熱衷於採樣（Sampling）與重混（Remix）的創作者來說，這無疑是縮短了靈感與實現之間的物理距離。 此外，Steinberg 與 Yamaha 深度合作推出的 OMNIVOca

Vovious 聲稱其做法與傳統人聲調音公司截然不同。它能與業內頂尖公司一較高下嗎？ 除了 Auto-Tune 和 Melodyne 等市場老牌巨頭之外，如今市面上還有許多值得稱道的聲樂調音軟體可供選擇，其中一些優秀的工具甚至內建在不同的 DAW 中。乍一看，推出 Vovious—— 其開發者稱為「自然」的聲樂調音插件——似乎是一個相當大膽的舉動。但他們顯然相信 Vovious 能提供一些與眾不同的東西，那麼讓我們看看它是否能讓你放棄目前使用的工具…. Graphs & Models 首先要注意的是，Vovious 並沒有提供即時自動音高修正功能。它基於離線圖形化音高編輯環境，其原理類似於 Auto-Tune Pro 的圖形模式，既提供簡單的微調工具，方便用戶將音符調整到目標音高，也提供更精細的控制功能，並擁有完善的圖形化編輯環境。 Vovious 可以作為獨立應用程式運行，也可以作為傳統的 VST3/AU/AAX 插入插件運行，或者，如果您的 DAW 支持，也可以作為 ARA2 插件運行。在我的大部分評測中，我是在 Cubase Pro 15

I. Why One Mic is Just... Fine (But Two is a Super-Power) Consider the singular microphone. It captures a faithful but distinctly flat truth—a monophonic slice of reality. It is fine, of course, but it lacks the dimensional trickery of human experience. Then occurs the "headphone moment": you press play, and suddenly a voice or a string quartet isn't emanating from a speaker; it is occurring inside your brain. This perceptual magic is born of ear-mimicry. By deploying two mi

在音響工程和聲音科學中， dB（分貝，分貝） 這是一個極為重要但經常被忽視的單位。要理解 dB，首先要記住一個核心概念： dB 不是「絕對的數值」（如公尺或公克），而是「比例」或「相對值」。 以下為您詳細解析dB的意義與數學公式 一、為什麼要用dB？ （人耳的特性） 之所以不直接用物理單位（如聲壓單位 Pascal 或功率單位 Watt），主要有兩個原因： 範圍： 人耳能聽到的最微弱的聲音與震碎耳膜的聲音，其能量總計總計 1,000,000,000,000 倍（一兆倍） 。用線性數字記錄非常不便，使用對數（Log）可以將其壓縮在 0 到 140 之間。 相對數獲取： 人耳對聲音大小的捕捉是 無 的。如果你把聲音的物理能量增加一倍，你並不會覺得聲音變大一倍；只有當能量增加很多的時候，你才會覺得「大聲了一點」。這符合對數的數學特性。 二、 dB 的數學公式 dB 的計算方式取決於你的測量「是 功率（功率） ”還是“ 幅值（Amplitude，如聲壓或電壓） 」。在聲音世界中，我們大部分時間都在處理幅值。 1.針對「幅值」（聲壓SPL、電壓V、數位訊號

AI音樂來襲 音樂人的思考模式: 以下是當前音樂人在 AI 時代的四大思考轉向： 從「技能導向」轉向「判斷導向」 ： 以往音樂人的價值多在於熟練的演奏技巧或樂理應用。 現在，AI 能夠快速修正演奏錯誤、一鍵生成編曲。音樂人的思考重點轉向 審美選擇與決策 ——在 AI 產出的無數片段中，決定哪一段具備藝術深度與情感靈魂。 擁抱「人機協作」的混合模式 ： 音樂人開始將 AI 視為「超級助理」而非競爭對手。 透過SUNO或 AIVA 等工具快速生成基礎框架，再由真人進行細膩的情感修飾與二次創作，實現「低成本、高效率」的生產流程。 強化「人格特質」與「品牌連結」 ： 當 AI 能輕易模仿任何曲風時，聽眾對「真實人類經驗」的需求反而更高。 音樂人的思考點從「寫出好聽的歌」延伸到「 建立與聽眾的情感連結 」。品牌故事、現場演出的生命力，以及作品背後的生命歷程，成為 AI 難以取代的護城河。 對技術倫理與著作權的權力覺醒 ： 音樂界正積極爭取防止 AI 濫用歌手聲音和版權的權益，如 2024 年美國主要音樂集團達成的 AI 版稅協議 。

製作賽博龐克（Cyberpunk）風格的音樂，核心在於融合 復古合成器音色 與 未來的工業機械感 ，營造出「高科技、低生活」（High Tech, Low Life）的反烏托邦氛圍。 以下是製作該風格音樂的關鍵技巧： 1. 音色選擇與合成 復古合成器 (Retro Synths) ：使用類比合成器（或其插件，如 Serum, Arturia V Collection）製作厚重的低音（Bass）和尖銳的鉛音（Leads）。重點在於 80 年代的經典音色，並加入現代的處理手法。 失真與過載 (Distortion & Overdrive) ：對合成器和鼓組添加失真效果，模擬電子設備過熱或訊號不良的破碎感，這是展現「龐克」粗獷特質的關鍵。 故障音效 (Glitch FX) ：加入數位跳針、音訊拉伸或位元壓縮（Bit-crushing）效果，營造系統錯誤的未來科技感。 2. 節奏與鼓組設計 強烈且快速的節奏 ：賽博龐克音樂（特別是其子類別 Cyberpwnk 或 Industrial）通常伴隨強而有力的鼓點，BPM 往往設定在 100-140 之間，具備